In this new #EtimoloPeople interview, we meet Marahuyo Art Projects.
Your collective explores the connection between art, ecology, and social engagement: what is the origin of the name “If Trees Could Talk,” and how does nature become an active part of your practice?
The name came from one of CANVAS’ earliest exhibits. As a nonprofit, our three main advocacies have always been children’s literacy, art appreciation, and the environment, and we’ve always believed that these are tied to human rights. The books that we publish, the artwork that we commission and exhibit, the artists that we work with – that’s always the driving force behind them. And we believe, most of all, that a child with art and stories can change the world – and it’s up to us to make sure that years after we’re gone, they still have a world to live in. Trees are, in a way, humanity’s ultimate storytellers. The oldest trees in the world-whether that’s a sequoia in California, an olive tree in Palestine, or a balete here in the Philippines-they have seen so much more than us, outliving us by generations. They have a lot of stories to tell. And so we asked ourselves, and we asked Filipino artists, if trees could talk, what would they say? That question became a recurring theme in many of the exhibits we’ve mounted over the years, including an appearance at Art Fair Philippines in 2024 as well as a show at the University of the Philippines last year. These exhibits were a prelude to what is now the If Trees Could Talk International Art Biennale, held at the Tumba- Tumba Children’s Museum of Philippine Art. When we purchased the land – a mango orchard – that Tumba-Tumba (Filipino for rocking chair’) is now being built on, we decided very early on that no mango trees would be cut down. The museum will be built around these old trees, in reverence to them and as part of our creed and commitment that we will always exist in harmony with the natural environment, creating as little harm as possible.
From the Biennale to children’s workshops, your work spans various spaces. How would you describe this identity to someone experiencing it for the first time, and what kind of imagery inspires its essence?
CANVAS’ books, visually, have always had a playful quality to them. Our target audience is kids as young as 6 years old (though we are working on developing books for even younger readers), so that means our books are bright and colorful to attract their attention and interest. Our very first book, Elias and His Trees, is a clear example of this, and it’s often the case with our other books too. But we also have books that deal with heavier, more mature subject matter – like martial law, or the realities of war – so these inspire darker imagery. Marahuyo Art Projects, which is the curatorial arm of CANVAS exhibits and the biennale, is a consortium of online galleries with their own visual identity: Radikal (Filipino for ‘radical’), for example, has a more varied look, as the exhibits are often concerned with sociopolitical issues in the Philippines. Abbot (Filipino for ‘trinket’ or ‘tchotchke’) spotlights art made from found objects, our own response to this era of intense hyperconsumerism. The biennale and Tumba-Tumba have that playful, accessible look similar to CANVAS, with a lot of bright and deep greens, inspired by trees and natural elements.
The project is deeply rooted in Ibaan, yet it looks toward a global horizon. What led you to choose the formats of the “postcard” and micro-narrative to give voice to such vast environmental issues?
The herculean task of advocating for environmental rights and climate justice, and especially the peoples and communities most affected by climate change and ecological disaster, always has to start with a conversation. And we wanted that conversation to reach as far and wide as possible. When we were organizing the first biennale, we knew we wanted as many people – even those who weren’t professional artists – to contribute to this conversation. In the same way that we asked ourselves and artists if trees could talk, what would they say?, we also posed the question to anyone who would see it. So we shared the call on our website, and to our delight, during the first edition of If Trees Could Talk, we received a little under fifty postcards. These came from friends, strangers, children, artists we knew, artists we didn’t know. It was heartening to see that kind of response. The postcards just made sense; they were “letters” from the trees and they traveled physically to get to us. Again, they married the two things most important to us: art (the physical work) and stories (the message they held). For the second edition of the biennale, we sent out another call, and the response was overwhelming. At first we weren’t sure if anyone would respond this time around, but as of this writing we have now received over 700 postcards (both from 2024 and this year) from over 60 countries. The call resonated with people all over the world, especially in a time where it feels like there’s nothing but death and destruction. There’s a certain physicality to a postcard – and it inspires a wide variety of media. We’ve received collages, photographs, works in oil or acrylic, digital illustration… the list goes on. And it’s these postcards’ journey across the globe that touches people the most. The growing volume of postcards – messages of love for the trees, love from the trees, hope, despair, strength, courage – proves to us, and to many people, that there is a uniting force amid all of the world’s suffering.
When giving artistic form to critical themes like climate change, do you seek to document reality, or do you aim for an emotional and symbolic reinterpretation of the material?
It’s always a mix of both, and we always leave it up to the artist. At the first biennale, for example, we worked with Canadian artist Laurence Vallières to create Nanay Pawikan (Mother Sea Turtle), a large-scale sculpture of a Philippine sea turtle, rendered in cardboard, which is the medium centered in her practice. Over the years, the work degraded and in its place now stands a patch of flowers that weren’t there before Nanay Pawikan was even installed – nature reclaiming what is hers. There’s Don Bryan Bunag’s Lilim (Filipino for ‘shade’), an alcove made from kites. The artist hails from Bulacan, where an airport is now being built, displacing local communities and endangering and threatening the kite-flying festival that has long been a tradition of the region. In 2009, we built a small park in Puerto Princesa City, Palawan, overlooking the West Philippine Sea. .
This was part of the Pacific Rim Park Project, a nonprofit organization based in San Diego that creates friendship parks around the Pacific Rim as a means of fostering understanding and goodwill. Our books, which are most often the vehicle for this art, are the same: rooted in reality, while still evoking an emotional response. We’ve published activity books along with our story books, as well as informative books like BABAE! 18 Fierce and Fearless Filipinas or Safe Space: A Kid’s Guide to Data Privacy
What are your main sources of inspiration? Are there specific books, philosophers, or other artists who have decisively influenced the structure of your creative world?
We’ve always said that CANVAS began with one story. Whenever we talk about the story of CANVAS – and everything else that followed: the biennale, or the children’s museum – we talk about Jean Giono’s 1953 ecofable The Man Who Planted Trees and its 1987 animated film adaptation. The Man Who Planted Trees tells the story of a lone shepherd who, in a desolate and barren region of Provence in France, planted one hundred acorns each day over a span of fifty years. Those seeds turned into an entire forest: lush, inviting, life-giving. That is the guiding principle of CANVAS: that one day the books we publish or the art that we show will trigger the imagination of a child and move them to change the world. And even if it doesn’t, we at least hope that they learn to love to read. We work with the Philippines’ creative community – writers and artists, emerging, unknown, renowned – to make these books and these exhibits happen, because we, too, are inspired by the incredible talent that Filipinos possess. In 2006, we adapted The Man Who Planted Trees for the Filipino reader. We enlisted the help of children’s book writer Augie Rivera and a young artist named Romeo Forbes, for whom our storywriting competition is now named. Elias and His Trees–or Mga Puno ni Elias in our native language–was CANVAS’ first book, and the story that started it all.
Il vostro collettivo esplora il legame tra arte, ecologia e impegno sociale: da dove deriva il nome “If Trees Could Talk” e in che modo la natura diventa parte integrante della vostra pratica artistica?
Il nome deriva da una delle prime mostre di CANVAS. Come organizzazione non profit, le nostre tre principali battaglie sono sempre state l’alfabetizzazione infantile, l’apprezzamento dell’arte e l’ambiente, e abbiamo sempre creduto che queste siano strettamente legate ai diritti umani. I libri che pubblichiamo, le opere d’arte che commissioniamo ed esponiamo, gli artisti con cui collaboriamo: tutto questo è sempre stato guidato da tali principi. E crediamo, soprattutto, che un bambino che ha accesso all’arte e alle storie possa cambiare il mondo, e che spetti a noi assicurarci che, molto tempo dopo la nostra scomparsa, abbia ancora un mondo in cui vivere.
Gli alberi sono, in un certo senso, i narratori supremi dell’umanità. Gli alberi più antichi del mondo — che si tratti di una sequoia in California, di un ulivo in Palestina o di un balete qui nelle Filippine — hanno visto molto più di noi, sopravvivendoci per generazioni. Hanno molte storie da raccontare. Così ci siamo chiesti, e abbiamo chiesto agli artisti filippini: se gli alberi potessero parlare, cosa direbbero? Questa domanda è diventata un tema ricorrente in molte delle mostre che abbiamo allestito nel corso degli anni, inclusa la partecipazione all’Art Fair Philippines nel 2024 e una mostra all’Università delle Filippine l’anno scorso.
Queste esposizioni sono state il preludio di quella che oggi è la Biennale Internazionale d’Arte If Trees Could Talk (Se gli alberi potessero parlare), che si tiene presso il Tumba-Tumba Children’s Museum of Philippine Art. Quando abbiamo acquistato il terreno — un frutteto di mango — su cui sta sorgendo il Tumba-Tumba (che in filippino significa “sedia a dondolo”), abbiamo deciso sin da subito che nessun albero di mango sarebbe stato abbattuto. Il museo verrà costruito attorno a questi alberi secolari, in segno di reverenza verso di loro e come parte del nostro credo e del nostro impegno: esistere sempre in armonia con l’ambiente naturale, arrecando il minor danno possibile.
Dalla Biennale ai laboratori per bambini, il tuo lavoro abbraccia diversi ambiti. Come descriveresti questa tua identità a chi la scopre per la prima volta, e quali immagini ne ispirano l’essenza?
I libri di CANVAS, dal punto di vista visivo, hanno sempre avuto un carattere giocoso. Il nostro pubblico di riferimento sono i bambini a partire dai 6 anni (anche se stiamo lavorando allo sviluppo di libri per lettori ancora più piccoli), quindi i nostri libri sono vivaci e colorati per attirare la loro attenzione e il loro interesse. Il nostro primissimo libro, Elias and His Trees, ne è un chiaro esempio, e spesso è così anche per gli altri nostri libri. Ma abbiamo anche libri che trattano argomenti più seri e maturi – come la legge marziale o la realtà della guerra – che ispirano immagini più cupe. Marahuyo Art Projects, che è il braccio curatoriale delle mostre CANVAS e della biennale, è un consorzio di gallerie online con una propria identità visiva: Radikal (in filippino “radicale”), ad esempio, ha un aspetto più variegato, poiché le mostre trattano spesso questioni sociopolitiche nelle Filippine. Abbot (in filippino “ninnolo” o “cianfrusaglia”) mette in luce l’arte realizzata con oggetti trovati, la nostra risposta a questa era di intenso iperconsumismo. La biennale e Tumba-Tumba hanno quell’aspetto giocoso e accessibile simile a CANVAS, con molti verdi brillanti e profondi, ispirati agli alberi e agli elementi naturali.
IMG_5684 2.HEIC – A glimpse of the interior of the kulandong (Filipino for ‘canopy’) at Tumba-Tumba, which currently houses more than 500+ postcard submissions from all over the world
Il progetto affonda le sue radici profonde a Ibaan, ma guarda verso un orizzonte globale. Cosa ti ha spinto a scegliere i formati della “cartolina” e della micro-narrazione per dare voce a questioni ambientali di così ampia portata?
L’impresa erculea di difendere i diritti ambientali e la giustizia climatica, specialmente a favore delle popolazioni e delle comunità più colpite dai cambiamenti climatici e dai disastri ecologici, deve sempre iniziare da una conversazione. E noi volevamo che quella conversazione arrivasse il più lontano possibile. Quando stavamo organizzando la prima biennale, sapevamo di voler coinvolgere quante più persone possibile – anche coloro che non erano artisti professionisti – affinché contribuissero a questo dialogo. Proprio come abbiamo chiesto a noi stessi e agli artisti: “Se gli alberi potessero parlare, cosa direbbero?”, abbiamo posto la stessa domanda a chiunque avesse modo di vederla. Abbiamo quindi condiviso l’appello sul nostro sito web e, con nostra grande gioia, durante la prima edizione di If Trees Could Talk abbiamo ricevuto poco meno di cinquanta cartoline. Provenivano da amici, sconosciuti, bambini, artisti che conoscevamo e altri che non conoscevamo affatto. È stato incoraggiante vedere una tale risposta. Le cartoline avevano perfettamente senso: erano “lettere” inviate dagli alberi che viaggiavano fisicamente per raggiungerci. Ancora una volta, hanno unito le due cose per noi più importanti: l’arte (l’opera fisica) e le storie (il messaggio che contenevano).
Per la seconda edizione della biennale, abbiamo lanciato un nuovo appello e la risposta è stata travolgente. Inizialmente non eravamo sicuri che qualcuno avrebbe risposto questa volta, ma al momento in cui scriviamo abbiamo ricevuto oltre 700 cartoline (sia dal 2024 che di quest’anno) da più di 60 paesi. L’appello ha risuonato con persone in tutto il mondo, specialmente in un momento in cui sembra esserci solo morte e distruzione. C’è una certa materialità in una cartolina, che ispira una grande varietà di mezzi espressivi: abbiamo ricevuto collage, fotografie, opere a olio o acrilico, illustrazioni digitali… e l’elenco potrebbe continuare. Ed è proprio il viaggio di queste cartoline attraverso il globo a toccare maggiormente le persone. Il volume crescente di cartoline – messaggi di amore per gli alberi, amore dagli alberi, speranza, disperazione, forza, coraggio – dimostra a noi, e a tante persone, che esiste una forza unificante in mezzo a tutta la sofferenza del mondo.
Quando dai forma artistica a temi critici come il cambiamento climatico, cerchi di documentare la realtà o miri piuttosto a una reinterpretazione emotiva e simbolica del materiale?
È sempre un mix delle due cose, e lasciamo sempre la scelta all’artista. Alla prima biennale, ad esempio, abbiamo collaborato con l’artista canadese Laurence Vallières per realizzare Nanay Pawikan (Mamma Tartaruga Marina), una scultura su larga scala raffigurante una tartaruga marina filippina, realizzata in cartone, il materiale su cui si concentra la sua pratica artistica. Nel corso degli anni, l’opera si è deteriorata e al suo posto ora c’è un’aiuola di fiori che non c’era nemmeno prima che Nanay Pawikan fosse installata: la natura si riprende ciò che le appartiene. C’è Lilim (che in filippino significa “ombra”) di Don Bryan Bunag, una nicchia realizzata con aquiloni. L’artista proviene da Bulacan, dove è in costruzione un aeroporto che sta causando lo sfollamento delle comunità locali e mettendo a rischio il festival degli aquiloni, da tempo una tradizione della regione. Nel 2009 abbiamo realizzato un piccolo parco a Puerto Princesa City, Palawan, affacciato sul Mar delle Filippine occidentale. L’iniziativa faceva parte del Pacific Rim Park Project, un’organizzazione no profit con sede a San Diego che crea parchi dell’amicizia lungo il Pacifico per promuovere la comprensione e la buona volontà. I nostri libri, che sono spesso il veicolo di questa arte, seguono lo stesso principio: radicati nella realtà, ma capaci di suscitare una risposta emotiva. Abbiamo pubblicato libri di attività insieme ai nostri libri di fiabe, oltre a libri informativi come BABAE! 18 Fierce and Fearless Filipinas o Safe Space: A Kid’s Guide to Data Privacy.
Quali sono le tue principali fonti di ispirazione? Ci sono libri, filosofi o altri artisti specifici che hanno influenzato in modo determinante la struttura del tuo mondo creativo?
Abbiamo sempre detto che CANVAS è nato da una storia. Ogni volta che parliamo della storia di CANVAS – e di tutto ciò che ne è seguito: la biennale o il museo per bambini – parliamo della favola ecologica di Jean Giono del 1953, L’uomo che piantava gli alberi, e del suo adattamento cinematografico animato del 1987. L’uomo che piantava gli alberi racconta la storia di un pastore solitario che, in una regione desolata e arida della Provenza, in Francia, piantò cento ghiande al giorno per un periodo di cinquant’anni. Quei semi si trasformarono in un’intera foresta: rigogliosa, invitante, fonte di vita. Questo è il principio guida di CANVAS: che un giorno i libri che pubblichiamo o l’arte che esponiamo stimolino l’immaginazione di un bambino e lo spingano a cambiare il mondo. E anche se ciò non dovesse accadere, speriamo almeno che imparino ad amare la lettura. Collaboriamo con la comunità creativa delle Filippine – scrittori e artisti, emergenti, sconosciuti, rinomati – per realizzare questi libri e queste mostre, perché anche noi siamo ispirati dall’incredibile talento dei filippini. Nel 2006 abbiamo adattato “L’uomo che piantava gli alberi” per i lettori filippini. Abbiamo chiesto l’aiuto dello scrittore di libri per bambini Augie Rivera e di un giovane artista di nome Romeo Forbes, a cui ora è intitolato il nostro concorso di scrittura. Elias and His Trees – o Mga Puno ni Elias nella nostra lingua – è stato il primo libro di CANVAS e la storia che ha dato inizio a tutto.
Who is Marahuyo Art Projects?
and Ruthie Genuino – visual artist, Graphic Design Lead
Named for a Filipino word that means “to be enchanted,” Marahuyo Art Projects is founded on the belief that art is a tool for meaningful change, both personal and societal. A consortium of thematic mini galleries, Marahuyo nurtures art and artist, providing a space for them to explore their practice and create works that are bold and transformative.
Marahuyo Art Projects curates the If Trees Could Talk International Art Biennale, an initiative of the Center for Art, New Ventures, and Sustainable Development (CANVAS) and presented by the Tumba-Tumba Children’s Museum of Philippine Art.
